DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA.

Tema 2. El dibujo infantil: imágenes, relatos y descubrimientos simbólicos. 

      1. Introducción.

     Dibujar y pintar son las actividades artísticas más frecuentes que hacen los niños y las niñas en la escuela, por ello las características de esos dibujos, sus sentidos y significados, su evolución o desarrollo, son asuntos de la máxima importancia en Educación Artística. 

     Algunos hechos han llamado poderosamente la atención sobre el dibujo infantil. Primero: las niñas y niños, antes de cumplir los dos años de edad, comienzan a dibujar de forma espontánea y natural, con cualquier tipo de técnicas y sobre cualquier tipo de soportes; y a la mayoría les encanta hacerlo. Segundo: los dibujos infantiles presentan unas características propias claramente distintivas, que parecen constituir una especie o tipo de "estilo artístico" claramente reconocible por su modo de representar la figura humana, darle expresividad al rostro, etc. Tercero: la mayoría de los dibujos y pinturas infantiles son muy llamativos por su espontáneidad, frescura, libertad, armonía y calidad. Cuarto: a medida que los niños y niñas crecen sus dibujos van cambiando y transformándose, haciéndose cada vez más elaborados. Quinto: al concluir la infancia, a partir de los diez años el interés, la seguridad, la destreza y la espontaneidad que habían manifestado hasta entonces, se difuminan incluso llegando a desaparecer. 

   Herbert Read interpretó estos hechos como una secuencia o sucesión entre la preeminencia de las facultades estéticas en la infancia y las facultades lógicas a partir de la adolescencia. 

       2. Contenidos.

       2.1.  El dibujo y el arte infantil: ¿cómo dibujan los niños y las niñas?. 

   

        Cada persona tiene su propia forma de dibujar. No hay dos personas que dibujen de la misma forma e idéntica manera, al igual que sucede de modo peculiar que cada persona tiene de moverse o de usar el lenguaje.          

       No todos los dibujos o pinturas o esculturas que hacen las niñas y niños durante la infancia se consideran como tal (arte infantil). Especialmente en el ámbito escolar, las niñas y los niños hacen ejercicios siguiendo las indicaciones del profesorado, o las pautas que indican sus fichas de trabajo o sus manuales y libros para colorear, que poco o nada tienen que ver con el dibujo infantil. El alumnado sigue facilmente las indicaciones y normas que se le indican sobre los materiales, el modo de utilizarlos y las pautas artísticas y estéticas, que deben adoptar en sus trabajos y ejercicios escolares.  Pero esas imágenes no son dibujos infantiles, son dibujos hechos por niños, pero que no responden, al modo propio y distintivo de dibujar las niñas y niños a esas edades. 

        

       El dibujo y el arte infantil lo constituyen las imágenes y las obras que producen los niños de modo espontáneo, cuando se les facilita y motiva a que dibujen por sí mismo, tal y como ellos son, sin tener que imitar o seguir ninguna pauta preestablecida o ajena a su modo propio de dibujar. Las niñas y los niños introducirán en sus dibujos motivos, formas, colores y estrategias de representación características del entorno visual en el que se desenvuelven. 

       Desde el momento en que empezó a considerarse el dibujo infantil como una forma de expresión propia del niño, acorde y consonante con su manera peculiar de ser y de concebir el mundo, los estudios han intentado determinar cuales eran los rasgos definitorios y característicos del lenguaje visual. 

• Principio de aplicación múltiple por el que una misma forma puede servir para representar muchas cosas diferentes. 
• El principio de la línea de base. "La línea de base" es una línea horizontal que cruza e parte a parte la zona inferior del dibujo, sobre la que se apoyan o sostienen los personajes. La línea de base podrá estar clara y explícitamente dibujada, o bien, podrá coincidir exactamente con el límite inferior del papel. 
• El principio de peculiaridad. La relación entre un objeto y la base en la que se apoya es preferentemente perpendicular, sea cual sea la orientación espacial concreta que tenga esa base. 
• Principio de importancia del tamaño. Las figuras humanas, las partes del cuerpo o los objetos más importantes, ya sea desde el punto de vista emocional, funcional o semático, deben tener un tamaño mayor que los elementos secundarios.
• El principio de aislamiento de cada parte del conjunto. Se preferirá, normalmente, dibujar los elementos constitutivos, uno a uno, y en su disposición característica, como si se tratase de unidades aisladas, antes que someterlos o diluirlos en una forma general que represente globalmente al conjunto. 
• El imperativo territorial. Cada elemento que aparece en el dibujo dispone de su espacio propio e inviolable. Todo lo que tenga que verse en el dibujo se mostrará en toda su extensión.
• Principio de la forma ejemplar. De entre los posibles modos de representación de un objeto se preferirá aquel que mejor describe sus cualidades visuales. Cada objeto y personaje dentro de la misma escena aparecerá representado desde el punto de vista que mayor información proporcione de ese elemento. 
• Principio del abatimiento. Los elementos eminentemente verticales, tales como las personas, las casas o los árboles, serán dibujados frontalmente, mientras que los elementos horizontales aparecerán a "vista de pájaro", de tal manera que siempre se presente ante el espectador la superficie más extensa del objeto. 
• Principio de simultaneidad de distintos puntos de vista. Cada parte de la figura se dibujará con el punto de vista que más se aproxime a la forma emeplar de esa parte. 
• El principio de "visión de rayos X" por el que se dibuja todo lo que sea necesario para describir explícitamente la imagen. Suele darse de los 6 a los 8 años de edad.

      Estos diez rasgos no son exclusivos de los dibujos infantiles, ya que la mayoría de ellos son también frecuentes en las producciones artísticasde diferentes épocas y culturas. 

      2.2.  ¿Qué dibujan las niñas y niños? Trazos y figuras más frecuentes en el             dibujo espontáneo infantil. 

    Hay un conjunto de temas y motivos que aparecen con mayor regularidad que otros en los dibujos infantiles. A los tres o cuatro años, comienzan a ser reconocibleslos trazos o garabatos. 

    La figura humana es la figura más dibujada seguida del sol. Las casas, los árboles, las nubes y las flores aparecen junto a las personas y el sol también muy frecuentemente. 

     2.3. ¿Cómo cambian con la edad los dibujos infantiles?

     Los dibujos infantiles cambian o evolucionan con la edad. Algunas pautas son muy claras y evidentes; en los dibujos de los más pequeños no pueden distinguirse elementos figurativos, en cambio en los de seis o siete años cada línea y cada color está representando siempre algún elemento o detalle. Las primeras figuras humanas que aparecen en los dibujos infantiles alrededor de los cuatro años parecen flotar en un espacio indiferenciado, en cambio, a los siete u ocho años, ya están de pie o acostadas. 

• Los dibujos evolutivos durante los años finales del siglo XIX y la primera mitad del XX. 

Las primeras clasificaciones de la evolución de los dibujos infantiles fueron las que propusieron las investigaciones pioneras que se realizaron durante los años finales del siglo XIX. 

James Sully, distinguía tres fases: a)garabato informe como juego, b) dibujo rudimentario de la figura humana con cara redonda, c) estadio evolucionado y adquisión de la técnica. 

Herman Lukens, en 1896, propuso cuatro etapas: en la primera el niño se interesa por el resultado de su gesto o ademán, en la segunda se interesa por el resultado de su dibujo, en la tercera nada el sentido crítico y descubre su propia insuficiencia figurativa, y en la cuarta y última el niño consigue en sus dibujos valores expresivos autónomos. 

En 1921, C. Burt propuso una clasificación en siete etapas o períodos, algunos de ellos subdivididos, a su vez, en varias secuencias:

1. Garabatero (2 a 3 años).
1. Trazos sin finalidad alguna, por el simple placer de la expresión motriz.
2. Trazos más deliberados, los resultados son el foco de atención.
3. Trabajos imitativos.
4. Garabateo localizado. 
2. Línea (4 años).
3. Simbolismo descriptivo (5 - 6 años).
4. Realismo (7-9/ 10 años).
5. Realismo visual (10 - 11 años).
1. Dibujo bidimensional: contornos o siluetas.
2. Dibujo tridimensional: aparecen figuras humanas representadas en posiciones intermedias entre el frente y el perfil. 
6. Represión (11 - 14 años). Se produce un cierto deterioro o regresión. 
7. Renacimiento artístico (Después de los 14 años). Aproximación a los métodos profesionales del dibujo. 

Posteriormente, en 1927, Henri Luquet publicó un estudio sobre el dibujo infantil cuya evolución interpretó como que estaba diriguida principalmente hacia el logro del realismo visual. 

• Clasificación por etapas de Viktor Lowenfeld. 

Lowenfeld articulo seis etapas o períodos en el desarrollo del dibujo espontáneo infantil:  

1. El "garabateo" comprende desde los primeros dibujos que realizan las niñas y niños hasta que comienzan a aparecer representaciones figurativas. En la propia acción de garabatear, el niño descubre la correspondencia entre los movimientos que realiza y los trazos que aparecen en el papel, y comienza a controlar tanto motriz como visualmente la dirección y longitud de las líneas de sus dibujos. "Garabateo con nombre" es la última fase. 
2. "Preesquemática" que se desenvuelve de los cuatro a los seis años. Se caracteriza por dos rasgos: por un lado, en los dibujos son fácilmente reconocibles las figuras y elementos que se han representado; por otro lado, el niño y la niña cambian frecuentemente de esquemas o fórmulas gráficas para representar la figura humana. 
3. "Esquemática" , que discurre entre los siete y los nueve años de edad, cristaliza un esquema o forma gráfica para representar cada figura o elemento habitual en los dibujos infantiles. Destaca la línea de base. 
4. "Principio del realismo". En la representación de la figura humana desaparecen las construcciones a base de figuras geométricas y se pone un gran énfasis en la modulación de ropas y vestidos. 
5. Etapa "seudorrealista" entre los once  y los trece años.
6. Etapa de "decisión" entre los trece y los diecisiete años. 

• Estudios evolutivos durante la segunda parte del siglo XX. 

Durante la segunda mitad del siglo XX, los estudios evolutivos sobre el dibujo infantil cambiaron o reorientarion sus puntos de vista e intereses. En parte debido a que los principales rasgos en las transformaciones gráficasdelos dibujos de las niñas y los niños parecían correctamente descritas gracias a los estudios, pero sobre todo porque cambiaron los enfoques. 

      2.4. Las investigaciones sobre el dibujo infantil.

• El dibujo infantil como campo interdisciplinar: autoras y autores.  

     En los útimos años del siglo XX, comenzaron a aparecer las primeras publicaciones específicas sobre el dibujo infantil. Los artículos de Ebenezer Cooke de diciembre de 1885 y enero de 1886, en el "Journal of Education" suelen citarse como la primera aportación al tema. 

         Durante la primera mitad del siglo XX el estudio del dibujo infantil fue enriqueciéndose con numerosísimas aportaciones entre las que cabe destacar por su importancia, en orden cronológico G. Kerschenteiner (1905) en Alemania, P. Luquet (1927) en Francia y las de V. Lowenfeld desde 1932 hasta 1947.

        Durante la segunda mitad del siglo XX, y muy especialmente en sus últimas décadas se han desarrollado nuevos enfoques y metodologías entre los que hay que subrayar los de H. Gardner, C. Golomb, R. Kellogg y B. Wilson en EE.UU. 

         En España, las dos obras de mayor relevancia en la primera mitad del siglo XX fueron el "Manual de padagogía del dibujo" de Víctor Masriera 1917 y "La práctica del dibujo en la escuela primaria" de Elisa López Vera. En la segunda mitad del siglo XX, el estudio del dibujo infantil, manteniendo la tradición de los enfoques educativos, ha sido, posiblemente, el campo que mayor atención ha recibido por parte del profesorado de educación artística. 

• Las investigaciones sobre el dibujo infantil: enfoques y objetivos. 

      Puede establecerse una clasificación en tres grandes tipos de investigaciones sobre el dibujo infantil, atendiendo a qué objetivos o propósitos quieren averiguarse, aunque los límites entre unos y otros enfoques son, en realidad, bastante laxos y fluidos. 

1.  Conocer a la persona o al grupo, a través de sus dibujos. 

Se trata de las investigaciones que utilizan el dibujo infantil como medio para obtener una respuesta objetiva del niño o de la niña, a fin de estudiar, no tanto ese dibujo en cuanto manifestación gráfica o artística, sino a través de ese dibujo llegar a observar o deducir una gran multitud de variables o características de la persona que ha realizado ese dibujo. 

El talento para el dibujo y las capacidades relacionadas con el rendimiento escolar. Una de las investigaciones pioneras sobre la capacidad para el dibujo y su relación con otras aptitudes o capacidades escolares fue que la que llevó a cabo Herschel T. Manuel en los años 1916 y 1917. Su investigación quería encontrar las respuestas a dos preguntas complementarias: ¿cuáles son las características psicofísicas esenciales de las personas con talento para el dibujo?, ¿qué pruebas físicas pueden diagnosticar el talento para el dibujo?. 

La capacidad o talento para el dibujo parece estar poco relacionada con otras capacidades, especialmente con aquellas de mayor relevancia escolar. El talento para el dibujo para no estar relacionado con otras habilidades y capacidades, tales como la memoria visual, la discriminación visual de magnitudes, la capacidad de observación, etcétera. 

Dos conclusiones educativas de desprenden de la investigación. Primera, si el talento para el dibujo no está estrechamente vinculado con las capacidades generales que parecen más relacionadas con el rendimiento escolar, esto significa que la profesora debe poner cuidado en detectar cuáles son los alumnos y alumnas especialmente capacitados para ello y fomentarlo. Segunda,si no hay un único tipo de talento para el dibujo, esto significa que cada alumno exige una atención personalizada acorde a su proceso particular de aprendizaje de las artes visuales.

2.  El dibujo y el arte infantil. 

El propósito de las investigaciones que estudian los dibujos, las pinturas o las construcciones tridimensionales que hacen los niños y las niñas espontánea y libremente es analizar sus características y explicar sus rasgos y cualidades. 

Duncum ha propuesto un esquema de diez tipos o categorias para clasificar las formas o estategias narrativas que utilizan las niñas y niños en sus dibujos espontáneos, que son las siguientes:

• "Acción narrativa". Los trazos representan una acción o secuencia de acontecimientos.
• "Acción física". Dibujos que forman parte de una accióno juego más amplio, que pueden haber sido originados por el propio dibujo. 
• "Superposición" Aspectos sucesivos de la acción que se van superponiendo uno a otro, encima del mismo dibujo. 
• "Repetición" En estos dibujos hay partes de la escena que no cambian y otras, que son las que representan al personaje o al elemento principal de la historia, se dibujan varias veces en los momentos sucesivos de la acción que narra el dibujo. 
• "Yuxtaposición" Se trata del recurso inverso al anterior. El personaje se dibuja una sola vez, mientras que los lugares se representan juntos.
• "Evento gráfico" Consiste en esceunas en la que sucede cualquier tipo de acción y que no presuponen necesariamente ni un antecedente ni un consecuente.   

    3.5.  Los métodos de enseñanza del dibujo en la escuela. 

      

Dos grandes tendencias u orientaciones sobre el modo de enfocar la enseñanza del dibujo en la escuela primaria se han desarrollado durante la segunda mitad del siglo XX. Por un lado, las tendencias creativas y naturales, que confían plenamente en el propio proceso de desarrollo y maduración espontánea y, por otro lado, las tendencias que ponen el énfasis en la conexión de los dibujos que hacen los niños y niñas con grandes obras de arte. 

• Las tendencias creativas y naturales: Lowenfeld y Freinet. 

Los enfoques creativos y naturales consideran que diujar no es una acción extraña o exterior al niño, sino una actividad que surgen y se desarrollo de la misma manera que otros procesos de maduración y desenvolvimiento de la persona. 

Desde este punto de vista, la principal tarea de la escuela deberá consisteir en lograr un clima o ambiente de trabajo favorable a la autoexpresión creativa y al propio desarrollo natural, evitando la imposición de un modelo de representación que sea ajeno al mundo infantil. 

• Aprender a dibujar a partir del arte: Wilson y Hurwitz. 

Su programa de enseñanza del dibujo combina cinco tipos diferentes de dibujo y cinco grupos de factores o conceptos gráficos en el programa escolar. 

Los cinco tipos de dibujo son: de observación, de memoria, de imaginación o fantasía, de lo verval a lo visual, y experimental. 

Los cinco grupos de conceptos son: a) los relativos al tema o asunto que desarrolla el dibujo y los símbolos que en él aparecen; b) los que tienen que ver con la forma, la composición y el diseño; c) los problemas de estilo y calidad expresiva; d) las cuestiones técnicas y procedimientos artísticos, y e) la representación del movimiento, el tiempo o la duración y las emociones. 

La propuesta educativa del matrimonio Wilson y Al Hurwitz propone paartir del problema gráfico que el propio alumnado se ha plantado en sus dibujos. La primera fase consiste en hacer consciente al alumnado del problema gráfico que se han planteado en sus propios dibujos. La segunda fase consiste en estudiar cómo se ha resuelto ese mismo problema gráfico en las obras de grandes artísticas. Se observan, se analizan y se debaten.

Una vez vista y comprendida esta diversidad de estrategias gráficas, cada alumna o alumno tiene que realizar su propio dibujo. Lo que se pretende es que el alumnado siga dibujando los temas y los asuntos que le interesan y le motiva, y que lo haga con la forma característica de dibujar que tienen las niñas según su edad o nivel de desarrollo. La novedad del método es lograr que las niñas y niños introduzcan en sus dibujos las estrategias o soluciones gráficas aprendidas de los grandes maestros para enriquecer sus propias propuestas. 

Trabajos con Plastilina.

La plastilina es un material de plástico, de colores variados, compuesto de sales de calcio, vaselina y otros compuestos alifáticos, principalmente ácido esteárico.

Con la plastilina realizamos dos trabajos: uno individual donde modificabamos una foto nuestra utilizando plastilina y otro donde reinterpretábamos un cuadro del Renacimiento o Barroco con plastilina.

El trabajo individual, fue el siguiente:

Posteriormente utilicé esa misma foto modificándola de la siguiente manera (puesto que no estaba segura del resultado de la anterior):

Los materiales utilizados fueron los siguientes:

• Cartón.
• Una fotografía en blanco y negro.
• Plastilina.

El procedimiento a seguir fue: primero cogemos los trozos de plastilina y los pegamos en la fotografía. Posteriormente, añadimos cola para mantener el dibujo.

El trabajo grupal fue inspirado por el cuadro "Niños comiendo melón y uvas" de Murillo. Es el siguiente:

Y el trabajo realizado fue el siguiente: 

Los materiales utilizados en esta actividad fueron:

• Plastilina de colores.
• Cola
• Caja de cartón
• Temperas
• Pinceles. 

Los objetivos que se llevan a cabo con esta actividad son los siguientes: 

• Desarollar la creatividad.
• Estudiar las diferentes texturas.
• Desarrollar la motricidad fina.

Propuesta didáctica: la propuesta didáctica que se me ocurre con esta actividad es la de seleccionar una historia y por parejas los niños deben contar con plastilina cada escena del cuento. Luego situaríamos unas junto a otras en el debido orden y así se podría contar esa historia. 

ESCULTURA CON MATERIALES RECICLADOS.

Este trabajo está inspirado en la idea del arte povera. El arte povera (arte pobre en italiano) es una tendencia dada a conocer a finales de la década de los sesenta, cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención, como madera, hojas o rocas, vajilla, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho y, por lo tanto, carentes de valor.

Tuvimos que realizar dos escultura utilizando materiales reciclados, la primera fue realizada como trabajo grupal (grupo 8). Para realizar esta escultura tuvimos que traer materiales reciclados y elegir una escultura que tuvieran que realizar nuestros compañeros. En nuestro caso, eligieron un árbol.

Este árbol está realizado con los siguientes materiales: una botella de plástico forrada con cinta adesiva de color marrón, latas de cerveza de color verde, cajas de leche y bricks de leche y finalmente, una caja de infusiones. 

Temporalización: este trabajo se realizó durante la clase. 

Posteriormente, tuve que realizar de manera individual otra escultura. Esta está inspirada en las obras de Eduardo Chillida y consiste en una escultura que varía su forma según el lugar desde donde se observe. 

Los materiales utilizados para esta escultura fueron:

• Una percha, de metal, doblada.
• Una base de plástico.
• Cinta adhesiva.
• Spays negro y naranja para crear la sensación de óxido.

El procedimiento a seguir para este trabajo fue: primero doblé la percha y la recubrí de cinta adhesiva, posteriomente pinté la superficie de negro y la esculta y luego desde una distancia prudencial, pinté con el spray naranja para generar la sensación de óxido.

Los objetivos que se llevan a cabo con esta actividad son los siguientes:

• Desarrollar la creatividad.
• Aprender a crear esculturas con materiales cercanos al niño.
• Fomentar la perspectiva.

Temporalización: este trabajo fue realizados en dos días. Uno destinado a la estructura y otro a la pintura.

Propuesta didáctica: podemos hacer un trabajo con los niños igual que el que hemos realizado en clase. 

Trabajo con Temple.

La pintura al temple o témpera es una técnica de pintura en la que el disolvente del pigmento es el agua y el aglutinante (también denominado temple o engrosador) algún tipo de grasa animal, glicerina, huevo, caseina, otras materias orgánicas o goma. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.

Debido al hecho de que esta técnica se puede utilizar con cualquier tipo de pigmento, nosotros utilizamos pigmentos que podamos encontrar en la cocina de nuestra casa: café, colacao, etc.

Mi trabajo está basado en el cuadro "Las mil y una noches" de Henri Matisse, y en la fotografía de Steve McCurry, portada del National Geographic de una niña afgana. Las inspiraciones fueron las siguientes:

Las mil y una noches.

Sharat Gula, niña afgana. 

La idea apareció cuando observé el cuadro de Henri Matisse y me pareció que ese cuadro contaba los cuentos de las  "Mil y una noches" pero que faltaba la chica que los contara, por lo que decidí pensar en dibujar a esa chica para lo cual me inspiré en esta fotografía. 

Procedimiento:

El procedimiento seguido para la realización de este trabajo fue el siguiente. Primero, tuve que elegir que cuadro quería hacer, como lo quería pintar y que materiales iba a necesitar para ello. Decidí realizar el trabajo pintando únicamente el velo de la chica y los ojos. El velo está hecho a base de café soluble y agua, en las zonas donde el color es más tenue utilicé un poquito de agua para disolver el café y muy poco huevo, aglutinante, para que el color no fuera muy intenso. Posteriormente, en las zonas de sombras usé ya el aglutinante, en este caso la yema del huevo para darle esa textura y color.

En el caso de los ojos, el negro está conseguido a partir de la mezcla de carbón que encontré en mi casa, agua y huevo.

Por último, la zona del iris del ojo está pintada con la misma técnica, café más agua más huevo, del velo.

Objetivos: Esta actividad lleva a cabo los siguientes objetivos:

• Desarrollo de la creatividad.
• Aprender a utilizar herramientas cercanas a los niños, materiales que tengan en su cocina.
• Desarrollar la capacidad visual.
• Desarrollo del gusto por la pintura.

Materiales: como ya he comentado anteriormente, los materiales utilizados en esta práctica son:

• Lámina de DIN A3 especial para témperas.
• Agua.
• Huevo.
• Café y carbón.
• Pinceles.

Temporalización: este trabajo conllevó mucho tiempo de trabajó, puesto que requería de varias pruebas antes para conseguir el color adecuado. Por ello tardé varios días en hacerlo.

Propuesta didáctica: la propuesta didáctica que se me ocurre con esta técnica es la de que los niños traigan entre todos el mayor número de pigmentos que encuentren por su casa. Posteriormente, seleccionaremos varios cuadros y ellos tendrán que elegir el que más les guste e inspirarse en él para crear el suyo propio, para lo cual deben ser conscientes de los colores que van a necesitar.

El trabajo es el siguiente: 

Trabajo de acuarelas.

En este trabajo comentaré el cuadro hecho con acuarelas. Este fue inspirado en el trabajo de Alfredo Enguix que es un enamorado de los caballos y ha unido esa pasión a su faceta artística, siendo los equinos el principal motivo de sus cuadros. 
Mi trabajo es el siguiente:

Los objetivos que se llevan a cabo a partir de esta actividad son los siguientes:

• Desarrollo de la creatividad.
• Aprender a utilizar las acuarelas.
• Trabajar con un método diferente y entretenido para los alumnos.
• Desarrollar la capacidad visual.

El procedimiento a seguir con esta actividad fue el siguiente: primero decidí que lado de la lámina para acuarelas queríamos trabajar, luego mojé la hoja y comencé a pintar.

Los materiales utilizados fueron: 

• Lámina de DIN A3 para acuarelas. 
• Acuarelas.
• Agua.
• Pinceles. 

La aplicación pedagógica de esta actividad puede ser la de crear un mural con papel contínuo mojado en el cual cada alumno realizará un trabajo pequeñito. 

También realicé otro trabajo, este más paisajístico inspirado en el trabajo de  Joseph Mallord William Turner, para este trabajo mojé todo el soporte y comencé a pintar.

COLLAGES.

En esta entrada comentaré los collages realizados en clase, en casa y en clase con mi grupo de trabajo (Grupo 8).

Comenzaré comentando el collage realizado en clase con motivo de una actividad que consistía en que los compañeros debían adivinar que criterios habías utilizado para realizar tu collage, en este caso, mi collage estaba formado con formas orgánizas y multicromático. El objetivo de esta actividad es el de adivinar que criterios han usado los demás grupos repasando así conceptos dados en clase.

A continuación mostraré ese collage:

Continuaré comentando el collage grupal, junto con el grupo 8, que debía estar inspirado en un cuadro que otro grupo eligiera. En nuestro caso, tuvimos que crear un collage inspirandonos en el cuadro Sunrise by the ocean de Vladimir Kush. El cuadro es el siguiente:

En este cuadro destaca la forma del huevo, que imita al sol amaneciendo,por ello, decidimos que nuestro trabajo sería una escena nocturna donde la luna fuera un plátano del cual se ha caído parte de la cáscara formando la barca que vemos en la escena. Nuestro trabajo es el siguiente:

Por último, comentaré el collage realizado en casa. Este fue inspirado en el cuadro "Dos mujeres leyendo" de Pablo Ruíz Picasso. El cuadro en el que me inspiré fue el siguiente:

Al ser todos los trabajos realizados con la misma técnica los objetivos que tienen estas actividades son los siguientes:

• Fomentar la creatividad de nuestros alumnos.
• Estimularlos a partir a motivos que sean del gusto de nuestros alumnos.
• Fomentar el trabajo grupal.
• Estudiar las formas de los objetos y su color mediante el uso de diferentes técnicas y texturas.

El procedimiento a seguir para realizar todos y cada uno de los trabajos fue: elegir el cuadro o el procedimiento a seguir, dibujar las formas en el folio o lámina de DIN A3 y posteriormente recortar papeles y pegarlos en la lámina.

Los materiales utilizados fueron los siguientes:

• Revistas, telas, etc. Diferentes elementos para crear texturas.
• Pegamento.
• Tijeras.
• Lámina DIN A3 o folio.
• Pinturas de madera. 

La temporalización varió según el trabajo pero en ninguno de ellos sobrepasó de las horas, teniendo en cuenta que en el trabajo grupal tardamos menos en realizarlo. 

La aplicación pedagógica de esta actividad podría ser la de realizar un collage grupal, con todos los alumnos del aula. Este collage tratará de un tema decidido democráticamente.Los niños elegirán diferentes materiales para realizarlo y texturas.

Círculos cromáticos.

Con la idea de trabajar con temperas, hemos realizados dos actividades relacionadas entre sí, puesto que ambas eran círculos cromáticos, pero uno de ellos "artístico". Pero antes de comenzar a hablar de la actividad lo primero que tenemos que saber es qué es un círculo cromático:

"El círculo cromático se usa en la clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Según Goethe, en su libro Teoría de los colores de 1810, de carácter más cercano a lo filosófico que a lo científico, los colores en un círculo cromático son seis: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, lo que dio paso al Modelo de color RYB, que a pesar de ser un modelo arcaico e impreciso sigue enseñándose en las artes gráficas a pesar de presentar serios inconvenientes en la composición de color; un modelo más exacto surgió tras la aparición de la fotografía en color y basado en los estudios de Newton sobre la luz, que se utiliza en la producción industrial de color, con mayor precisión en la representación cromática, y del que se derivan los modelos RGB y CMYK, en el que los colores son: amarillo, rojo, magenta, azul, cian y verde. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores, haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.

El hexagrama es una estrella que se coloca en el centro del círculo cromático. La cantidad de picos que tenga depende de la cantidad de colores que haya. Esta estrella muestra los colores complementarios.

Según el (Modelo aditivo de color), los colores luz opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro.

• El amarillo es el color opuesto al azul.
• El magenta es el color opuesto al verde.
• El cian es el color opuesto al rojo.

Según el modelo moderno de mezclas de pigmentos (Modelo sustractivo de color) existe reciprocidad aproximada entre el modelo de color RGB y el Modelo de color CMY; por lo tanto, los colores opuestos son:

• El rojo es el color opuesto al cian.
• El verde es el color opuesto al magenta.
• El azul es el color opuesto al amarillo.

Según el obsoleto modelo de color RYB, utilizado aún en artes visuales y diseño, los colores pigmento opuestos son:

• El azul es el color opuesto al naranja.
• El rojo es el color opuesto al verde.
  
  
• El amarillo es el color opuesto al violeta."

Comenzaré hablando del círculo cromático original:

Procedimiento: El procedimiento llevado a cabo fue el siguiente, lo primero que tuve que hacer fue trazar el círculo y el pentágono dentro de él y consecuentemente, el triángulo interno a este último. Una vez dibujada la figura, con la ayuda de un compás, una regla y un lápicero de 2H especial para el dibujo técnico, comencé a poner cinta de carrocero al rededor de cada triángulo que corresponde a los colores primarios, pintaba con la ayuda de las temperas cada uno de esos triángulos (amarillo, cian y magenta) y esperaba a que se secaran para pintar el siguiente. 

Continué con este proceso en los recuadros pertenecientes a los colores secundarios, mezclando cada uno con su correspondiente (magenta y amarillo para crear naranja, magenta y cian para crear violeta y finalmente, cian y amarillo para crear el verde). Posteriormente, pinté los cuadros exteriores, mezclando los colores como anteriormente pero echándo diferente cantidad, puesto que anteriormente las proporciones eran 50% - 50%, en estos cuadros las proporciones serían: 75% - 25%; 50% - 50%, 25% - 75%. Mezclando los colores por ejemplo: amarillo y magenta: 75% de amarillo y 25% de magenta forman un naranja muy claro, tirando casi a amarillo, luego 50% - 50% como anteriormente y finalmente 25% de amarillo y 75% de magenta formando un naranja muy rojizo. 

Una vez completado el círculo cromático, realicé una serie de pequeños circulos enfrente de cada color terciario, en el que mezclé ese color con 50% de blanco y 50% de negro.

Por último, realicé una leyenda donde coloqué los colores. 

Temporalización: el tiempo dedicado a este trabajo fue de varios días, puesto que habia que esperar a que se secaran los colores.

Materiales utilizados: Los materiales que tuvimos que utilizar para realizar este trabajo, fueron los siguientes: una regla, un compás y un lapicero para trazar las figuras, el soporte fue un DIN A3 especial para temperas, temperas negra, blanca, cian, magenta y amarilla; pinceles especiales para temperas, un rotulador para repasar el dibujo y finalmente, cinta de carrocero para evitar salirme. 

Objetivos: Los objetivos de esta actividad los comparte con la actividad del círculo cromático creativo al igual que gran parte de los materiales (exceptuando el compás y añadiendo el papel cebolla para copiar las furgonetas): 

• Desarrollar la creatividad.
• Aprender los colores primarios, secundarios y terciarios. 
• Aprender el origen de los colores secundarios y terciarios.
• Utilizar el círculo cromático para aprender a ser creativos (para el círculo cromático creativo). 

Continuaré con el círculo cromático creativo:

Procedimiento: El procedimiento llevado a cabo durante la realización de esta actividad fue el siguiente: lo primero que hice fue dividir el DIN A3 en 9 cuadrados iguales. En cada uno dibujé una furgoneta wolkswagen. La idea era distribuir cada sección de cuadrados según un color y pintar las furgoneta con los colores primarios que forman ese secundario o terciario. En el caso de los secundarios las furgonetas son 50% de un color y 50% de otro y en el caso de los terciarios, intenté que se viera que tenían más de un color que de otro para dar la sensación de colores terciarios. 

Este cuadro está inspirado en los que realizaba Andy Warhol. 

Temporalización: al igual que en el otro trabajo, el tiempo destinado a realizar este trabajo fue de varios días. 

Materiales: los materiales utilizados fueron los nombrados en la actividad anterior del círculo cromático original. 

Objetivos: son los mismos que en la actividad anterior.

Aplicación pedagógica: la aplicación pedagógica de esta actividad puede ser la que los niños, con su imaginación creen un círculo cromatico creativo al igual que nosotros pudiendo ser un teléfono en que si marcas un número sale otro o cualquier cosa que se les ocurra. 

P.D. Los colores no están muy bien debido a que mis temperas estaban secas. 

Por otro lado, voy a comentar un trabajo realizado en clase en el cual debíamos realizar con los ojos cerrados un garabato y posteriormente colorearlo con temperas. El resultado fue el siguiente:

Este trabajo se realizó en apenas una media hora y puede tener la aplicación pedagógica de que los niños realicen el mismo trabajo que nosotras aunque puede realizarse al ritmo de una música en particular. Destinado a niños de primero y segundo de primaria. 

Además con esta actividad aprenderán a pintar en una zona exacta y no salirse de la zona delimitada.