MUSEO THYSSEN BORNEMIZSA.

Visita al Museo Thyssen Bornemizsa. Grupo 5.

"El misterio de las miradas del Thyssen"

1. Breve introducción a la historia del museo:

Situado en pleno corazón de Madrid y en frente del museo del Prado, nos ofrece un recorrido por el arte, desde el siglo XIII hasta las postrimerías del siglo XX.

En el, podemos observar la evolución de la pintura, sobre todo la Europea ,desde el Gótico hasta el S.XX. Tenemos la posibilidad de recorrer la historia del arte de una forma amena y perfectamente organizada. 

Este museo cuenta permanente con obras que van desde pintura flamenca al surrealismo de Dalí, además de conservar la colección de los barones Thyssen y de la baronesa Carmen Thyssen el museo cuenta con una área diseñada para la educación e inculcar los valores del arte de manera lúdica "Educa Thyssen" .

Cabe destacar que el museo no solo conserva estas obras y es que su otra tarea es difundir esta tarea no solo en España, sino alrededor del mundo. Otro punto importante es que este museo recibe anualmente muestras temporales de una gran envergadura gracias al apoyo de coleccionistas privados y sinergias entre importantes museos de renombre mundial.

2. Selección de cuadros. 

1. Verde sobre morado (Marcus Rothkowitz):

Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto. Es un cuadro de grandes dimensiones 258 x 229 cm. 

Utiliza la técnica mixta sobre lienzo, fue realizada en 1961.  Es una obra bicromática. Su finalidad es que al extenderse el color con el pincel sobre el lienzo, se crean matizaciones cromáticas que hacen ganar al cuadro en expresividad y emoción. 

Utiliza dos o más técnicas artísticas como dibujo, acrílico o collage, cambinadas en una única obra.  Ayuda a potenciar la dimensión espacial de nuestra imaginación en la pintura. 

Propuesta didáctica: con este cuadro podemos pedir a nuestros alumnos que combinen dos técnicas de pintura (témperas o acuarelas, ceras, lápices de colores, etc.). Para alumnos de mayor nivel se les puede pedir que busquen información sobre esta técnica en internet y hagan algún dibujo que les inspiren dicha información. 

2. Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar. (Salvador Dalí). 

El autor era uno de los mayores representantes del surrealismo. Era extremadamente imaginativo. Tenía una tendencia al narcisismo y la megalomanía. 

Es un óleo sobre tabla, cuyas dimensiones son de 51 x 41 cm. El cuadro lo pintó Dalí como consecuencia de un sueño que tuvo Gala, su mujer, sobre una abeja que volaba entorno a una granada. 

La línea es muy definida, es un cuadro de caracter figurativo. En lo relativo al color predomina el azul en el fondo y en la parte central, por otro lado, el anaranjado del acantilado y de los tigres destaca sobre el fondo claro. Las sombras no son negras y el cielo se diferencia del mar porque el horizonte del cielo es blanco. 

Atendiendo el ámbito de la luz, hay una fuente de luz que no se ve en el cuadro pero que tiene origen en la derecha. 

Propuesta didáctica: A partir de este cuadro podemos pedir a los niños que dibujen un sueño que hayan tenido y posteriormente cambiar los dibujos con los de sus compañeros e intentar adivinar en qué consistía el sueño. 

Realizar un collage utilizando distintos materiales según les inspire a cada uno dicho cuadro. 

3. Arlequín con espejo (Pablo Ruiz Picasso).

Es un óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son 100x 81 cm. Y fue realizado en 1923. Supone la culminación de su etapa clasicista. 

Está inspirado en la cultura clásica, con los que reinterpreta modelos básicos a través del cubismo. Inicialmente se abordó esta pintura como un autorretrato.

Picasso consideraba el temperamento del Arlequín en muchos aspectos coincidentes, al suyo, y en varias ocasiones se autorretrató a sí mismo bajo una máscara, generalmente bajo algún motivo sentimental. 

Propuesta didáctica: proponer a los niños escoger una situación que les guste (el recreo, parque, reuniones, etc.) y dibujen a una persona que tenga los objetos que hayan decidido con lápices de colores. 

4. Mujer sentada (Juan Gris).

La técnica es un óleo sobre tabla, cuyas dimensiones son 116 x 73 cm. Fue realizada en 1917. 

Los pintores cubistas más que con los ojos veían con la mente, constuyendo una realidad diferente a la conocida (pintor cubista) interés por la pintura de figuras. 

Es una obra cubista en la que las formas cubistas componen fondo y figura, pero que ha sido realizada con recursos tradicionales, como el empleo de bocetos a partir de una modelo, que es la propia mujer de Juan Gris. 

El artista pintó el cuadro pensando en las líneas y las formas que había anotado ya en sus dibujos. 

Pone en oposición formas geométricas y formas orgánicas y naturales, que van cambiando de color cuando se cruzan.

Los cubistas añaden a las tres dimensiones (anchura, altura y profundidad) una cuarta: el tiempo. 

Propuesta didáctica:

• Juguemos con el espacio: Dibuja sobre cartulinas de colores las formas que has descubierto en el cuadro y recórtalas. Practica pequeños cortes en las caras de cada una de ellas y ensámblalas hasta componer una figura en tres dimensiones. 
• Juguemos con las intersecciones: Dibuja en una cartulina formas geométricas y formas orgánicas y recórtalas. Coloca una hoja de papel encima de una de ellas y frota con una cera dura, de forma que quede marcada. Aparta esta forma y utiliza una nueva. Repite la operación hasta haber utilizado todas las formas recortadas. Pinta tu composición utilizando colores diferentes en cada de las formas del papel. 

MUSEO DEL TRAJE.

Resumen de la exposición del Museo del Traje. Grupo 4. 

Se encuentra en la Avenida de Juan Herrera, 4. Tiene una serie de exposiciones dividida en dos tipos exposiciones de trajes, en las que se incluyen: indumentaria histórica, indumentaria contemporánea e indumentaria popular. Y joyería y scomplementos. Abre todos los días de la semana menos los Lunes 

Visitaron la exposición "El traje a lo largo de la Historia" (s. XVIII, XIX y XX). Y esta exposición a su vez se divide en: "Ver y Conservar", "Tiempos lejanos", "Ilustración y Casticismo", "Afrancesados y burgueses", "Romanticismo", "del Miriñaque al Polisón", "el traje regional", etc. 

1. Traje de pastor extremeño.

Es un traje popular sin autor propio, naciente de la necesidad en las labores del pastor de la época. Al ser un oficio realizado al aire libre, necesita de una indumentaria especial y es por ello, que en el traje se utilizan telas específicas para protegerse de las durezas del clima. Por ello el cuello cuenta con una camisa sobre la que se pone un peto de cuero decorado con bordados hechos de lana y una chaqueta de paño que se aferra y decora con aplicaciones de estrezado. 

En las piernas, calzón de paño negro y faja, que quedan tapados por los zajones, confeccionados con cuero y piel de cuero. 

El conjunto está adornado con un picado en el delantero y con dos cintas en los extremos del delantero para adaptar este al tamaño del cuerpo. 

Esta pieza pertenece a la parte del museo donde se recogen la vestimenta tradicional de España. Pertenece a los siglos XIX y XX. 

Propuesta didáctica: "Nuestra propia revista de moda": los niños tendrán que realizar unas revistas de moda ayudándose de recortes, revistas de moda, etc. Pueden utilizar cartulinas, pegamento, tijeras, etc. 

2. "Vestido a la francesa" (1750 - 1760).

Es un traje masculino del siglo XVIII de estilo Rococó. Está compuesta por tres piezas: la casaca, la chupa y el calzón. 

Está diseñado de la siguiente manera: el cuello a la caja, tiene amplias vueltas de manga, profundos plieges laterales, la casaca no se abrocha, la chupa interior con los faldones algo más cortos que la casaca. 

Estaba de moda, abrocharse la chupa solo con los tres botones a la altura de la cintura, con la intención de lucir los encajes de la camisa. 

Propuesta didáctica: "Conociendo los materiales". Se les ofrecerá a los niños diversas prendas compuestas con varios materiales y se les explicará las cualidades de cada uno. Por grupos elegirán una prenda y tendrán que adivinar que tejido es. 

3. "Vestido de fiesta".

En la colección del siglo XX, con unas 4000 prendas, destacan diseñadores como Fortuny ("Delphos"), Balenciaga y más. De los diseñadores en activo destaca el diseño de Paco Rabanne, y la representación de un gran número de españoles.

Flora Villareal vestido de fiesta en encaje color rosa palo montado sobre raso de seda en el mismo color. Motivos florales con aplicación de pedrería decoran el pecho y el bajo haciendo ondas. 

Tiene corte griego, la falda empieza debajo del pecho. La falda se ajusta a la cintura, para luego dar lugar al vuelvo, es un poco acampanada.Larga hasta los pies.

Propuesta didáctica: la propuesta didáctica consiste en vestir a una muñeca, de forma libre o dirigida.



4. "Vestido del siglo XIX".
Este siglo tiene una menor representación en el museo. Destaca en este siglo la nómina de modistas, que en le futuro favorecerá la creación de catálogos muestre la actividad desarrollada.

Entalla al cuerpo con dos caídas en el delantero y pequeño canesú en el trasero. Hombros redondeados. De la línea de la cintura se abren en abanico cinco tablas a cada lado que terminan en la costura del camesú. Corchete en la cintura y ocho botones planos, forrados con ojales a mano, ocultos por una tapilla. Forro alcolchado y pespunteado. En todo el perímetro flecos de seda y chenilla. Cuello de pie recto, de picos vueltos en el delantero. Espalda de corte más largo que en el delantero. Pieza en el centro que se aplica en el bordado. 

Aplicación didáctica: "Mezcla de ropa". Se elige un niño al azar para vestirle dentro de cada grupo. Con toda la ropa que se ha elegido debemos vestir al compañero, respetando un orden cromático, no repetir prenda, etc.... 

SALA DE ARTE JOVEN.

Exposición de la Sala de Arte Joven. Grupo 3. 

Espacio inaugurado en 1990 dirigido a los jóvenes para la promoción y difusión de sus obras artísticas. Se encuentra en la Avenida de América número 13. 

La exposición visitada fue la de la artísta, Andrea Canepa. Su trabajo combina dibujo, escultura e instalaciones audiovisuales que se unifican en bloques temáticos tendentes a mostrar escenas cotidianas y comportamientos derivados del día a día. El giro conceptual de sus obras viene sugerido por las experiencias personales, no siempre autobiográficas, pero sí fácilmente asimilables por el espectador, que se siente identificado con gran parte de sus relatos.

La exposición visitada se llama: "Todas las calles del año".

1. Calle 25 de Octubre: simboliza la aparición de un Kiosko. Ha sido realizada con rotulador y destacan los colores azules , negros y rojos.

2. Calle 24 de Octubre: Oriente, Acajulta, Sonsonate, El Salvador: comenza la vida del republicano Sonsonate. Destaca el árbol del centro, sus colores y técnicas serán las mismas en todos los cuadros.

3. Calle 28 de Febrero: Mercedes, Soriano - Uruguay: Habla de una revolución de los criollos impulsadas por las medidad fiscales del virrey de la Plata. La imagen muestra el "Teatro del 28 de Febrero".Misma técnica que los anteriores.

4.    4. Calle 17 de Octubre. El Calafate, Santa Cruz - Argentina. Conmemora el día de la lealtad, ese día se produjo en Buenos Aires una movilización obrera y sindical que exigía la liberación del coronel Juan Domingo Perón, quién promovió los derechos de los trabajadores. 

Aplicación didáctica:

D    Dibujar algo característico de la calle de cada niño y pintarla con colores cálidos y fríos. 

        Bibliografía:

http://www.rtve.es/television/20140224/generacion-2014/885722.shtml

FUNDACIÓN JUAN MARCH.

EXPOSICIÓN DE LA FUNDACIÓN JUAN MARCH. GRUPO 2. 

Se encuentra en la calle Castelló número 77, Madrid. Está abierto de lunes a sábado de 11:00 a 20:00 y Domingos festivos de 10:00 a 14:00. 

La exposición temporal visitada fue de Depero Fortunato, y está abierta desde el 10 de Octubre de 2014 al 18 de Enero de 2015. 

     El movimiento plástico y literario cuyo pistoletazo de salida fuera el manifiesto publicado por Filippo Tommaso Marinetti el 20 de febrero de 1909 en el periódico parisino Le Figaro ha pasado a la historia por la radicalidad de sus propuestas: abolir todo enfoque tradicional del arte del pasado (considerado puro "passatismo"), glorificar el dinamismo, la máquina, la velocidad y la guerra, liberar a las palabras de la gramática y multiplicar los puntos de vista para expresar la interacción dinámica de la materia con el espacio circundante. Los efervescentes años fundacionales del movimiento, entre 1909 y 1915, supusieron, efectivamente, una novedosa y dinámica contribución a la plástica y la literatura europeas, marcada finalmente por la primera guerra mundial, que supuso una cesura por la entrada en combate de muchos futuristas y la muerte de Umberto Boccioni, entre otros.

       Fortunato Depero, por su parte, había viajado a Roma ya en 1913 y conocido a Marinetti. Allí visitaría la exposición de Boccioni en la Galería Sprovieri, y el contacto con la obra de éste y de Giacomo Balla provocaría un cambio radical en su producción artística: de Boccioni tomó el dinamismo plástico y de Balla la tensión producida por la abstracción de las formas. En la primavera de 1915 Depero fue oficialmente admitido en el movimiento futurista.

  Fortunato Depero y Giacomo Balla firman, el 11 de marzo de 1915, el manifiesto Ricostruzione futurista dell'universo (Reconstrucción futurista del Universo) –uno de los hitos más importantes en la evolución de la estética futurista– en el que proponen la globalización de las artes y la fusión del arte la vida cotidiana. Y, de hecho, el propio Fortunato Depero fue mucho más que un pintor que abrazara con entusiasmo el credo futurista y dejase atrás sus primeros pasos en la pintura, de clara raíz simbolista. Fue un artista constructor de todo un universo futurista, un artista polifacético, multimedial, total y global: fue incansablemente pintor, escultor, dramaturgo y escenógrafo, escritor, poeta, ensayista, diseñador gráfico de publicidad comercial, de pabellones de ferias, de libros, revistas y logotipos comerciales, creador de juguetes y tapices, empresario cultural –creador de uno de los primeros museos de artista del mundo, la Casa d'Arte Futurista Depero en Rovereto– e inventor de uno de los primeros libros de artista de la historia, el célebre libro "atornillado". Depero abandonó Italia en 1928 para conquistar Nueva York, a la que llamó "nuova Babele" y en la que vivió y trabajó entre 1929 y 1931, y a la que volvería en 1948.

Depero es, sin duda, un artista enormemente contemporáneo, verdadero precursor de una serie de rasgos tan propios del artista actual como el arte concebido como trabajo multimedial y colectivo, la necesaria "autopublicidad" del artista en los medios o la práctica del diseño gráfico, entre otros.

Depero futurista (1913-1950) pretende mostrar, a través de casi 300 piezas procedentes de instituciones y colecciones internacionales, publicas y privadas, la obra de Depero en su totalidad: mostrar el "Tutto Depero", como tituló el artista uno de los últimos balances personales de su obra.

El ismo de Depero es el Futurismo que se caracteriza por una estructura del movimiento, existencias de colores y transparencias, relación con el mundo moderno, multiplicación de líneas y detalles y finalmente utilización de líneas y colores para generar ritmo. 

1. Mi mujer y yo. 1914. Es un óleo sobre lienzo, destaca por la superposición de espacios y no por la gran cantidad de colores, que son fríos.

2. "Cabalgata fantástica" 1920. Son fragmento de lana sobre arpillería. Destaca el gran número de animales que forman los disfraces, sobre todo los pájaros. 

3. “MARINETTI TEMPORALE PATRIOTTICO, RITRATTO PSICOLÓGICO” 1924 .Es un óleo sobre lienzo, destaca por los pocos colores y por exaltar el patriotismo que es una de las características del futurismo. 

4. "Motociclista sólido con velocidad" 1927. Óleo sobre lienzo.

5. Big Sale (Mercato di Down - Town) 1929. Óleo sobre lienzo. 

Similitudes y diferencias:

• Se diferencian por el color, algunas son muy coloridas como la "Cabalgata Fantástica" mientras que otras como "Motociclista sólido con velocidad" no lo son.
• Se diferencian las formas, en el primer cuadro las figuras son más rectas, y según avanzan las obras en el tiempo se convierten en formas geométricas.
• Todas las obras son futuristas.
• Todas las obras tratan el subrealismo. 

MUSEO DEL PRADO

Visita al Museo del Prado. Grupo 1. 

El Museo del Prado se encuentra en el Paseo del Prado de Madrid. Este museo cuenta con muchas exposicones temporales y permanentes.  Fue diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva en 1785, como Gabinete de Ciencias Naturales, por orden de Carlos III. No obstante, el destino final de esta construcción no estaría claro hasta que su nieto Fernando VII, impulsado por su esposa la reina María Isabel de Braganza, tomó la decisión de destinar este edificio a la creación de un Real Museo de Pinturas y Esculturas.

La exposición permante que visitó el grupo 1 fue el de los cuadros de Velazquez, de la que destacan las obras de: "La Rendición de Breda", "Las Meninas", "Los Borrachos" y "Las Hilanderas".

Visitaron del mismo modo la exposición de cuadros de Francisco de Goya y Lucientes (1746 - 1828) Su obra destaca por acabar la pintura de cabellet y mural, y el grabado y el dibujo. Es considerado un pintor perteneciente al Romanticismo. El arte goyesco supone el comienzo de la Pintura contemporánea. Se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo.

1.  El Embozado. 

Han destacado dos grabados del artista: el primero es "El Embozado" la cual fue realizada en el siglo XIX (1825 Y 1828) y forma parte del Álbum de Burdeos II. 

Es de tamaño reducido, puesto que únicamente mide 192x152 mm. Se trata de un estampado realizado con lápiz negro y láoiz litográfico, representado sobre un doble soporte; el primero con papel verjurado agrisado y el segundo con un papel contínuo rosado. 

El lápiz litográfico está especialmente diseñado para dibujar líneas y detalles finos. Permite el grabado sobre piedra, aluminio, micrograbado, etc. 

Los lápices litográficos se pueden usar solos o junto con la tinta litográfica.

Representa la figura de un hombre cubierto o embozado por una manta o capa larga de color más oscuro, este es el origen del nombre.

™Es una representación muy sencilla donde, a modo boceto, encontramos una figura de un hombre al parecer de edad joven y buena posición social por su indumentaria de la época, pero nos hace dudar por su inclinación pudiendo parecer algo indefenso ante algún tipo de amenaza externa.

™En cuanto a su forma y volumen la figura del embozado es muy realista cuidando el detalle a a pesar de ser un boceto.Al usar color Goya se limitó a ayudarse de luces y sombras para dar volumen y perspectiva sin llegar a introducir puntos borrosos.

El autor utiliza líneas curvas sobre la espalda del embozado y un cuidado preciso de los pliegues de su capa, lugar donde más destacan las luces y las sombras para expresar mayor volumen.

™Esta es una de las obras del Museo del Prado más cercanas al siglo XX.

Propuesta didáctica: Individualmente deberán reproducir a modo boceto la obra del Embozado únicamente con un lápiz y sin usar la goma.

2. Aún aprendo.

Obra de Francisco de Goya, perteneciente a su etapa en Burdeos (1824-1828) La técnica utilizada es el  lápiz litográfico sobre papel verjurado agrisado. 

Pertenece al álbum G, en el que representa las clases humildes y su marginación. Esta obra representa la contrafigura de Goya, que es la imagen que tiene de sí mismo de viejo, por tanto, no es su autorretrato. 

Propuesta didáctica: Cada uno de los participantes en la actividad debe hacer su propio dibujo sobre el tipo de persona que les gustaría ser cuando sean ancianos. Y responder a las siguientes preguntas:  ¿Cómo os gustaría ser? ¿Qué estaréis haciendo un día como hoy cuando seáis ancianos?

3. La lechera de Burdeos.

Perteneciente a la pintura impresionista, es una de las obras más aclamadas de Goya. Fue realizada en 1826.Se trata de un tema costumbrista, concretamente es el retrato de una dama.

La técnica utilizada en este caso es el Óleo sobre lienzo, esta técnica se trata de una mezcla de resinas con pigmentos. Los aceites le dan fluidez y con los pigmentos se puede hacer la pintura más espesa y dura. Tiene muchas ventajas como color excelente, control del espesor o la fluidez de la pintura, material persistente en el tiempo y buena calidad de las pinturas.

Esta obra seguía la tradición  de las figuras de oficios y profesiones, que se inició en el arte europeo con los primeros ejemplos italianos de principios del siglo XVII. La luz también es importante en este cuadro, ya que podemos ver como aparece en el rostro de la dama y también por el fondo.

Por último podemos ver como predominan los colores claros tanto grises como verdosos , es bastante colorido sobre todo por la zona del chal.

Propuesta didáctica: Los niños por parejas piensan que quieren ser de mayores, y deben pensar en qué ropa es la más adecuada para esa profesión, por lo que deben realizar un uniforme de trabajo.

4. Paul Alexandre ante una vidriera (1913)

Fue realizada por el pintor italiano Amadeo Modigliani, perteneciente a la escuela de París.  Nació en Liborno en 1884 y murió en París en 1920. Fue el arquetipo de artista bohemio que solo alcanzó la fama una vez muerto.

Esta pintura está inspirada en la obra del Greco, Caballero de la mano en el pecho. La obra esta realizada sobre un lienzo de 85x45, y fue realizada en 1913. Las obras de este artista se incluyen dentro del expresionismo y la escuela de Paris. . Pintó solamente figuras humanas: desnudos y retratos; con una refinada estilización, formas elegantemente alargadas, un cálido colorido, casi sin contrastes entre luces y sombras. Otra seña de identidad que caracteriza las obras de Modigliani es que nunca pintaba pupilas en los rostros de sus obras.

5. Canto de Amor.

Fue realizada por Mariano Benlliure y Gil entre 1827 y 1898. ESuna obra escultórica de bulto redondo realizada en mármol. 

Propuesta didáctica: 

1. Muestra de la fotografía de la obra “Canto de Amor”
2. Observar
3. Identificar las partes del cuerpo humano
4. Elaborar, por grupos, con distintos materiales una persona atendiendo a las características de los personajes representados en la obra “Canto de Amor”

El objetivo de esta actividad es que los niños sepan identificar las partes del cuerpo humano y manipulen distintos materiales.
Además se trabaja la creatividad, la observación, la responsabilidad y el trabajo en equipo. 

Diferencias y similitudes entre las obras:

•Son obras pictóricas, esculturas, grabados y estampados.

•Las tres obras de Goya y de Benlliure pertenecen al siglo XIX y la de Amadeo Modigliani pertenece al siglo XX.

•“La lechera de Burdeos” y “Aún aprendo” pertenecen a la misma época de la vida de Goya. Ambas representan imágenes cotidianas y humildad.

•“El Embozado” y Aún aprendo” utilizan una técnica muy representativa de Goya, el lápiz litográfico.