CAPÍTULO 1. Aprender a dibujar para aprender a vivir.
1. Introducción.
Las
niñas y niños en edad escolar saben reconocer y pueden descibir con bastante
exactitud, por ejemplo, un dinosaurio, una ballena, una sirena, etc. Han visto
esas cosas muchas veces a pesar de que nadie ha estado junto a ellas, pero han
visto multitud de ballenas, osos, elefantes, etc. La mayoría de los seres
humanos conoce a los animales,a los suucesos a través de imágenes que bien
pueden ser en televisión, dibujos o fotografías.
Las
niñas y niñosno solo miran, también gustan de garabatear y dibujar, modelar,
construir y transformar. Normalmente, manifestarán una evolución muy notable
representando la figura humana, los árboles o las casas durante sus años
escolares. A medadida que vayan creciendo serán capaces de resolver con gran
claridad y con todo lujo de detalles escenas muy complejas con gran cantidad de
personajes.
Además,
los niños y niñas adquieren rápidamente ideas sobre lo que es bonito y
atractivo o feo y desagradable y utilizarán esos criterios para vestirse y
peinarse, preferir un muñeco o juguete a otro, o para identificarse con los
personajes de sus series favoritas de televisión.
A
través de las imágenes pensaremos lo bueno y lo malo, lo normal y lo extraño.
Incluso para reconocer y para valorar nuestro propio cuerpo acudiremos a imágenes
y no solo a las del espejo, sino a las de todos los cuerpos que hemos visto e
imaginado.
Las
ideas básicas sobre lo que se va a razonar a lo largo del tema son:
- Los
lenguajes y las artes visuales son un conocimiento instrumental. Todas las
personas deberán ser capaces de comprender adecuadamente todo lo que ven y
de utilizar las imágenes para su formación y su trabajo.
- La
comprensión y la creación de imágenes son dos caras de la misma moneda
visual. La mejor forma de conocerlas es mediante su creación.
- Las artes
visuales nos muestran quienes son los seres humanos, puesto que de lo que
nos habla el arte solo nos habla el arte.
- Las
personas tienen derecho a conocer y reconocerse y a ser reconocidas y
comprendidas por sus propias señas de identidad visual.
- Dominar y
usar habitualmente los diferentes lenguajes visuales, esto requiere una
formación que debe proporcionar la escuela.
3. Contenidos: del dibujo
a la cultura visual.
3.1. ¿Qué es la Educación Artística? Definición y delimitación del campo interdisciplinar y del tipo de conocimiento distintivo de la educación artística.
La Educación Artística es una materia o asignatura obligatoria del currículo de educación Primaria y Secundaria y figura entre las tareas de educación Infantil. Existe un entenidimiento generalizado de que la educación plástica y visual consiste únicamente en el dibujo, pero, la Educación Artística es muy variada puedo que incluye estrategias y sistemas de creación de imágenes y objetos como la fotografía.
La denominación oficial de esta material del currículo puede presentar ligeras modificaciones en los sucesivos cursos o etapas del sistema educativo. Tradicionalmente se denominó a esta materia como dibujo.
La asignatura de Educación Artística, no incluye todas las manifestaciones artísticas, no es música, ni danza, ni poesía, ni literatura, sino que se refiere principlamente a las artes visuales. Por tanto, la Educación Artística debería llamarse artes visuales.
- El
universo de la mirada y del tacto, la presencia propia de los materiales,
y los significados y valores sociales de las imágenes, los objetos y las
construcciones.
Los
acontecimientos visuales y los materiales con los que trabaja la Educación
Artística, son tanto los fenómenos de la naturaleza, los colores del arco iris
o la ductilidad de la arcilla, como los objetos, artefactos, utensilios,
construcciones e imágenes que constituyen la cultura material.
Un tipo de objetos de especial relevancia para la Educación Plástica son las imágenes. Su función es básicamente representativa, ya sean realizadas a mano, como la pintura al óleo, o por procedimientos industriales, los programas informativos de la televisión. Todas ellas nos transportan a ámbitos y aluden a otras realidades, que tenemos que aprender a reconocer e interpretar.
- El tipo de
conocimiento propio de la Educación Artística.
Las
actividades artísticas y estéticas se distinguen por el modo por como pensamos
y por el sentido o las intenciones que diriguen nuestra actividad. Los tipos de
conocimiento característicos del aprendizaje artísticco, vienen definidos por
tres rasgos:
En
primer lugar, el pensamiento visual y creativo: los lenguajes
propios por los que circula el aprendizaje en Educación Artística son los de
las imágenes y la visión. La confección y la creación de imágenes de cualquier
tipo y con cualquier actividad distintiva, así como la discriminación de las
cualidades materiales y visuales de los acontecimientos.
En segundo lugar, la intencionalidad del conocimiento en Educación Artística es abriertamiente artística y estética. Sumergirnos en el dominio artístico y estético no es difícil, pero exige una apertura y predisposión hacia ese modo característico de sentir y experimentar el mundo y de descubirnos a nosotros mismos e implica un cierto cambio de rumboen nuestra experiencia cotidiana habitualmente dirigida hacia intereses más prácticos y funcionales.
- Campos del
conocimiento y actividades profesionales vinculados con los contenidos de
Educación Artística.
Cada
asignatura o materia del currículo escolar corresponde aproximadamente a un
campo de conocimiento o actividad socialmente establecido. La Educación
Artística organiza sus aprendizajes y contenidos a partir de tres dominios
fundamentales:
Primero,
las artes visuales, que es una denominación reciente perteneciente a la lengua
inglesa. Incluyen la pintura, la escultura, o la arquitectura, y también las
más recientes como la fotografía, el vídeo o el diseño de moda. De este modo,
los límites o fronteras de las artes visuales son muy amplios. Y finalmente,
predominan los aspectos relativos a la mirada y a la visión.
En
segundo lugar, los contenidos de la Educación Artística derivan de las ciencias
que estudian, los objetos y las obras de arte. La más desarrollada es la
Historia del Arte.
En
tercer lugar, algunos conceptos básicos en Educación Artística proceden de las
ciencias y de las tecnologías implicadas en los fenómenos de la luz y el
color.
- Las
conductas y capacidades básicas.
Las conductas que ponen en juego las
actividades y tareas propias de la Educación Artística son las relacionadas
con la percepción visual, táctil y cinestésica, la creatividad, la inteligencia
espacial, el pensamiento visual, la imaginaciñon y la memoria visual.
- Los
lenguajes y sistemas notacionales.
En
Educación Artística se trabaja fundamentalmente con los lenguajes visuales, con
el dibujo y los sistemas de presentación objetiva del espacio, aprovechando las
posibilidades y modelando en cualquier material.
Los
materiales son los pigmentos, las arcillas, los papeles y cartones, las telas,
las maderas, las luces y la reutilización de objetos.
3.2. Prejuicios
que hay que evitar: ¿que NO es Educación Artística?.
La
Educación Artística no es una materia "diferente" a las otras del
currículo escolar. No es una asignatura "simpática y agradable" pero
menos académica que las demás. En ella tenemos muchas cosas que aprender: ¿como
surgen las imágenes en televisión?, ¿qué diferencias hay en la cara, el cuerpo
y la ropa entre los personajes "buenos" y "malos" de una
película y por qué?. Lo que sucede es que la mayoría de los
aprendizajes más valiosos y decisivos en Educación Artística no son de tipo
memorístico.
La
Educación Artístics no solo tiene interés para las personas que manifiestan una
especial capacidad o predisposición, sino que es importante para el conjunto
del alumnado.
La
Educación Artística no es una material "manual" frente a las otras
que tienen un carácter "teórico".
La
Educación Artística no puede quedar reducida a ejercicios de dibujo libre (en
el caso de los pequeños) y del dibujo geométrico o técnico (para los mayores).
La Educación Artística tampoco es un conjunto de ejercicios o actividades
deslavazados, con ocasión del otoño, o de la navidado de cualquier otra
festividadd o celebración.
La
Educación Artística no consiste en hacer imitaciones de cosas
"bonitas" que parezcan obras artísticas o decorativas. Los niños y
niñas tienen sus formas y modos de expresión propia con valor por sí
mismas.
Debe
abordar la resolución de todo tipo de imágenes con el grado de complejidad
adecuado a cada curso o nivel.
La
Educación Artística no debe reproducir sino por el contrario desactivar los prejuicios
habituales sobre el arte en nuestra sociedad.
En
Educación Artística es muy importante la creatividad.
3.3. Historia de la Educación Artística.
Las
ideas, los métodos y los ejercicios de dibujo en la escula han cambiado de
forma notable a lo largo de la historia, debido a cambios y transformaciones
que se han producido en el mundo del arte, de la educación y de la sociedad en
general.
La
enseñanza del dibujo, se implantó en el currículo esoclar al mismo tiempo que
se organizaron y generalizaron los sistemas educativos durante la primera mitad
del siglo XIX.
Antigüedad
Las
primeras reflexiones sobre el interés y la orientación que debe adoptar la
educación artística en la escuela, las encontramos en los grandes filósofos
griegos Platón y Aristóteles. Estas dos funciones, utilidad y belleza, acompañarán
desde entonces a la enseñanza del dibujo.
Los escasos manuales o tratados que nos quedan, para la formación de artistas, describen minuciosamente estos procesos de construcción y manera de aprender estos conocimientos es la prolongada experiencia imitando el buen hacer de un reconocido profesional.
A las academias de dibujo acudían a estudiar, a partir de los doce años aproximadamen, los jóvenes que se encaminaban a las profesiones artísticas: los pintores, los escultores y arquitectos. El aprendizaje se organizaba de forma muy secuenciada comenzando con la copia de láminas con nociones básicas de geometría, continuando con la copia de dibujos, preparados a propósito para facilitar el aprendizaje, en los que aparecían elementos del rostro y del cuerpo humano, para pasar a copiar dibujos completos de grandes maestros.
Junto a los ejercicios de dibujo, había estudios teóricos de la proporción y, lo que posteriormente vendría a construirse omo la historia del arte y la estética.
Este sistema se fue afianzando y elaborando hasta finales del siglo XIX, difudiéndose a partir de la academia de París fundada en 1648, por toda Europa y América.
Durante la primera mitad del siglo XIX, el dibujo se incluyó entre las materias obligatorias del currículo tanto para la escuela primaria como secundaria. Comenzó entonces la necesidad de disponer de unas orientaciones y materiales curriculare, así como formar al profesorado en esta materia.
El dibujo tenía una orientación exclusivamente figurativa, con una sólida fundamentación geométrica. El dibujo se desdoblaba en dos grandes vertientes: la artística y la técnica. La enseñanza del dibujo en la escuela, debía corresponder a los conocimientos iniciales del dibujo.
La Educación Artística durante la primera mitad del siglo xix estuvo marcada por las obras de algunos grandes pedagogos, así como por la elaboración de los primeros manueales y cartillas escolares de dibujo.
Johann Heinrich Pestalozzi (1746- 1872) publicó en 1803 el libro titulado "ABC de la intuición o intución de las proporciones" que es considerado como el primer manual de Educación Artística para la infancia.
Friedrich Froebel (1782 - 1852) su principal contribución a la educación artística fue un original material didáctico conocido como los "regalos y ocupaciones", que desarrolló entre 1835 y 1850, para su proyecto curricular de los jardines de infancia organizados entorno al principio del juego.
La segunda mitad del siglo XIX, conoció un desarrollo espectacular de métodos y manuales de dibujo, todos ellos basados en la copia de láminas.
Edad
Media
Durante la Edad Media la pintura, la escultura, la
orfebrería, etc. no tuvieron una consideración social como creaciones
artísticas propiamente dichas, sino más bien como culificados oficios manuales.
El aprendizaje se realizaba en el taller de trabajo. No se esperaba que las
obras y objetos que producían manifestaran una gran originalidad o innovaciones
estilísticas, sino sobre todo que estuvieran perfectamente confeccionados con
los mejores materiales.
Los escasos manuales o tratados que nos quedan, para la formación de artistas, describen minuciosamente estos procesos de construcción y manera de aprender estos conocimientos es la prolongada experiencia imitando el buen hacer de un reconocido profesional.
Las
academias de dibujo: del Renacimiento al Romanticismo.
A las academias de dibujo acudían a estudiar, a partir de los doce años aproximadamen, los jóvenes que se encaminaban a las profesiones artísticas: los pintores, los escultores y arquitectos. El aprendizaje se organizaba de forma muy secuenciada comenzando con la copia de láminas con nociones básicas de geometría, continuando con la copia de dibujos, preparados a propósito para facilitar el aprendizaje, en los que aparecían elementos del rostro y del cuerpo humano, para pasar a copiar dibujos completos de grandes maestros.
Junto a los ejercicios de dibujo, había estudios teóricos de la proporción y, lo que posteriormente vendría a construirse omo la historia del arte y la estética.
Este sistema se fue afianzando y elaborando hasta finales del siglo XIX, difudiéndose a partir de la academia de París fundada en 1648, por toda Europa y América.
El dibujo en la escuela: siglo XIX.
Durante la primera mitad del siglo XIX, el dibujo se incluyó entre las materias obligatorias del currículo tanto para la escuela primaria como secundaria. Comenzó entonces la necesidad de disponer de unas orientaciones y materiales curriculare, así como formar al profesorado en esta materia.
El dibujo tenía una orientación exclusivamente figurativa, con una sólida fundamentación geométrica. El dibujo se desdoblaba en dos grandes vertientes: la artística y la técnica. La enseñanza del dibujo en la escuela, debía corresponder a los conocimientos iniciales del dibujo.
La Educación Artística durante la primera mitad del siglo xix estuvo marcada por las obras de algunos grandes pedagogos, así como por la elaboración de los primeros manueales y cartillas escolares de dibujo.
Johann Heinrich Pestalozzi (1746- 1872) publicó en 1803 el libro titulado "ABC de la intuición o intución de las proporciones" que es considerado como el primer manual de Educación Artística para la infancia.
Friedrich Froebel (1782 - 1852) su principal contribución a la educación artística fue un original material didáctico conocido como los "regalos y ocupaciones", que desarrolló entre 1835 y 1850, para su proyecto curricular de los jardines de infancia organizados entorno al principio del juego.
La segunda mitad del siglo XIX, conoció un desarrollo espectacular de métodos y manuales de dibujo, todos ellos basados en la copia de láminas.
La primera mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil.
Los niños y las niñas tienen un modo característico de dibujar y pintar y a poco que se les permita hacerlo evolucionan notablemente. Esto se conocía desde antiguo, ahora bien, podemos hablar propiamente del descubrimiento del arte infantil porque en los últimos años del siglo XIX y primeros del siglo XX surge una nueva comprensión de esta situación.
Se descubre que sin necesidad de alejarse de las viejas sociedades europeas, en su propio seno, existe una producción pictórica puta, primigenia, no contaminada con las tradiciones culturales: el arte espontáneo infantil. Algunos artistas expresionistas comienzan a interesarse y a estudiar el arte infantil. Franz Cizec (1865 - 1946) reparó en los dibujos infantiles que encontraba pintados en las paredes de la ciudad y consideró que se trataba de un verdadero estilo artístico que merecía ser tenido en cuenta.
En 1904 estas clases de dibujo libre y espontáneo para niños y jóvenes se incorporaron a la Escuela de artes y oficios de Viena.
La segunda mitad del siglo XX: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina.
En los años centrales del siglo XX el crítico de arte Herbert Read y el profesor y arte - terapeuta Viktor Lowenfeld publicaron las obras que han marcado desde entonces el carácter de la Educación Artística.
La autoexpresión creativa:
Los alumnos deben ser considerados no tanto como aprendices de dibujo, sino más bien como seres humanos que tienen que llegar a desarrollarse plenamente como personas: potenciando su sensibilidad, sus capacidades creativas, sus posibilidades expresivas y comunicativas, la seguridad en si mismos y en su forma personal y única de comprender el mundo.
Lo decisivo de las actividades artísticas no está en los productos o los resultados que puedan obternerse al final del curso, sino más bien en los procesos de desarrollo personal que las actividades artísticas propician: plena identificación con la tarea que se está llevando a cabo, intensificación de las emociones y sentimientos, descubrimiento creativo del mundo y de sí mismo.
El dibujo libre y espontáneo se convirtió en el ejercicio y la actividad fundamental de la educación artística. Lo ideal era conseguir que cada uno llegara a ser capazde dibujar conforme a su edad, a su grado de desarrollo y a su propia personalidad. Para ello nada mejor que crear en el aula un clima estimulante de confianza y respeto a las innovaciones visuales que cada persona llegará a descubrir.
En lenguaje visual como modo de conocimiento.
Dos argumentos acapararon el interés de las enseñanzas artísticas, el primero fue enunciado con toda rotundidad por Rudolf Arnheim quién afirmó que "ver es pensar"y, por consiguiente, las obras visuales un modo de conocimiento. El segundo, al que contribuyeron diferentes disciplinas, entre ellas la estética y la teoría del arte, afirmaba que las artes visuales constituyen un lenguaje.
Arnheim, psicológo formado en la escuela de la "Gestalt", investigó especialmente el dominio de las artes visuales, la pintura, la escultura y el cine, para mostrar que la visión no es una fase previa al pensamiento, un proceso exclusivamente sensorial, sino todo lo contrario es un proceso cognitivo activo y complejo. Los estímulos luminosos que se suceden ante nuestros ojos tienen que ser enfocados, seleccionados, organizados e interpretados por nuestra mirada para que puedan ser reconocidos, cobren sentido y podamos interactuar adecuadamente con ellos. Las imágenes de cualquier tipo, juegan con nuestras categorías perceptivas, bien reforzando nuestras expectativas, bien tergivensándolas por sorpresa.
Los contenidos básicos del currículo de artes visuales, correspondían a los ejercicos progresivamente más complejos y arriesgados, sobre cada uno de los elementos básicos del lenguaje plástico y sus combinaciones.
Elliot Eisner: la revisión disciplinar de la autoexpresión creativa.
Se ha estudiado la concepción de la actividad artística como un proceso creativo espontáneo y natural para entenderla más bien como una elaborada construcción de conocimientos especializados que son distintos dependiendo de la cultura.
La Educación Artística Basada en la Disciplina (DBAE): el cirrículo deriva de la estética, la crítica de arte, la historia del arte y la creación artística.
El objetivo fundamental de la DBAE es desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte, para lo cual resulta imprescindible conocer las teorías y conceptos artísticos, así como tener una experiencia creadora.
Las obras de arte deben ocupar un lugar central en la organización del currículo y en la integración de los contenidos específicos de cada una de las cuatro disciplinas (disciplina estética, crítica del arte, la historia del arte y finalmente las diferentes modalidades artísticas: dibujo, pintura, arquitectura, etc.).
El currículo debe organizarse de manera que vayan acrecentándose la cantidad y la complejidad de los aprendizajes de modo que aumente progresivamente el nivel de comprensión y las destrezas creativas del alumno.
3.4. Debates contemporáneos: todos los significados de todas las imágenes de todas las culturas.
Lo que acontece en el panorama de las artes visuales tiene una repercusión importante en las ideas sobre educación artística porque lo que hace y aprende el alumnado en las aulas no puede estar desconectado o desfasado de lo que sucede en el campo profesional, ni en los debates sociales.
La cultura visual implica centrar las enseñanzas artísticas en cualquier tipo de artefacto que cumpla dos condiciones:
El primero de ellos plantea la Educación Artística como desarrollo libre y espontáneo acorde con la propia evolución natural y la capacidad creativa personal frente a la Educación Artística como aprendizaje de los contenidos disciplinares correspondientes a la estructura académica y profesional de las artes y teorías visuales.
El segundo dilema tiene que ver con la función que deben jugar las grandes obras de arte en los contenidos y actividades de Educación Artística: ¿construyen o no, su núcleo central de aprendizaje?.
El tercer dilema corresponde a la disyuntiva entre la libertad del creador frente a la erudición del espectador, que a la postre, corresponde a los dos modelos profesionales característicos del territorio artístico.
4. Conclusiones.
La búsqueda de nuevas concepciones del aprendizaje y la enseñanza de las artes visuales no ha cesado. Los retos que constantemente plantean las innovaciones artísticas y tecnológicas, las nuevas formas de concebir la educación y la sociedad propician nuevas situaciones y acontecimientos que transforman a enseñanza y el aprendizaje de las artes visuales.
Lo decisivo de las actividades artísticas no está en los productos o los resultados que puedan obternerse al final del curso, sino más bien en los procesos de desarrollo personal que las actividades artísticas propician: plena identificación con la tarea que se está llevando a cabo, intensificación de las emociones y sentimientos, descubrimiento creativo del mundo y de sí mismo.
El dibujo libre y espontáneo se convirtió en el ejercicio y la actividad fundamental de la educación artística. Lo ideal era conseguir que cada uno llegara a ser capazde dibujar conforme a su edad, a su grado de desarrollo y a su propia personalidad. Para ello nada mejor que crear en el aula un clima estimulante de confianza y respeto a las innovaciones visuales que cada persona llegará a descubrir.
En lenguaje visual como modo de conocimiento.
Dos argumentos acapararon el interés de las enseñanzas artísticas, el primero fue enunciado con toda rotundidad por Rudolf Arnheim quién afirmó que "ver es pensar"y, por consiguiente, las obras visuales un modo de conocimiento. El segundo, al que contribuyeron diferentes disciplinas, entre ellas la estética y la teoría del arte, afirmaba que las artes visuales constituyen un lenguaje.
Arnheim, psicológo formado en la escuela de la "Gestalt", investigó especialmente el dominio de las artes visuales, la pintura, la escultura y el cine, para mostrar que la visión no es una fase previa al pensamiento, un proceso exclusivamente sensorial, sino todo lo contrario es un proceso cognitivo activo y complejo. Los estímulos luminosos que se suceden ante nuestros ojos tienen que ser enfocados, seleccionados, organizados e interpretados por nuestra mirada para que puedan ser reconocidos, cobren sentido y podamos interactuar adecuadamente con ellos. Las imágenes de cualquier tipo, juegan con nuestras categorías perceptivas, bien reforzando nuestras expectativas, bien tergivensándolas por sorpresa.
Los contenidos básicos del currículo de artes visuales, correspondían a los ejercicos progresivamente más complejos y arriesgados, sobre cada uno de los elementos básicos del lenguaje plástico y sus combinaciones.
Elliot Eisner: la revisión disciplinar de la autoexpresión creativa.
Se ha estudiado la concepción de la actividad artística como un proceso creativo espontáneo y natural para entenderla más bien como una elaborada construcción de conocimientos especializados que son distintos dependiendo de la cultura.
La Educación Artística Basada en la Disciplina (DBAE): el cirrículo deriva de la estética, la crítica de arte, la historia del arte y la creación artística.
El objetivo fundamental de la DBAE es desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte, para lo cual resulta imprescindible conocer las teorías y conceptos artísticos, así como tener una experiencia creadora.
Las obras de arte deben ocupar un lugar central en la organización del currículo y en la integración de los contenidos específicos de cada una de las cuatro disciplinas (disciplina estética, crítica del arte, la historia del arte y finalmente las diferentes modalidades artísticas: dibujo, pintura, arquitectura, etc.).
El currículo debe organizarse de manera que vayan acrecentándose la cantidad y la complejidad de los aprendizajes de modo que aumente progresivamente el nivel de comprensión y las destrezas creativas del alumno.
3.4. Debates contemporáneos: todos los significados de todas las imágenes de todas las culturas.
Lo que acontece en el panorama de las artes visuales tiene una repercusión importante en las ideas sobre educación artística porque lo que hace y aprende el alumnado en las aulas no puede estar desconectado o desfasado de lo que sucede en el campo profesional, ni en los debates sociales.
La cultura visual implica centrar las enseñanzas artísticas en cualquier tipo de artefacto que cumpla dos condiciones:
- Que sea prioritariamente visual.
- Que tal artefacto sea constitutibo de actitudes, valores y creencias.
La cultura visual absorbe muchas ideas propias de los enfoques postmodernos para redefinir y renombar los términos clave del currículo de educación artística:
- Se prefiere hablar de "representaciones" o de "artefactos visuales" en lugar de imágnes, obra de arte, etc.
- Los valores estéticos no son algo inherente a determinados objetos, sino más bien a determinadas culturas.
- El concepto de "cultura" se emplea aplicado a las obras más insignes de las ciencias, las humanidades y las artes.
- Las representaciones y artefactos deben interpretarse, superando los análisis formales.
3.5. ¿Cómo debería ser una buena teoría de la Educación Artística?: dilemas y criterios.
El primero de ellos plantea la Educación Artística como desarrollo libre y espontáneo acorde con la propia evolución natural y la capacidad creativa personal frente a la Educación Artística como aprendizaje de los contenidos disciplinares correspondientes a la estructura académica y profesional de las artes y teorías visuales.
El segundo dilema tiene que ver con la función que deben jugar las grandes obras de arte en los contenidos y actividades de Educación Artística: ¿construyen o no, su núcleo central de aprendizaje?.
El tercer dilema corresponde a la disyuntiva entre la libertad del creador frente a la erudición del espectador, que a la postre, corresponde a los dos modelos profesionales característicos del territorio artístico.
4. Conclusiones.
La búsqueda de nuevas concepciones del aprendizaje y la enseñanza de las artes visuales no ha cesado. Los retos que constantemente plantean las innovaciones artísticas y tecnológicas, las nuevas formas de concebir la educación y la sociedad propician nuevas situaciones y acontecimientos que transforman a enseñanza y el aprendizaje de las artes visuales.
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